Prossimi Eventi

FRATELLI MANCUSO
Enzo Mancuso canto, chitarra, saz baglama, sipsi, flauta de sabugheiro, viola, sansula
Lorenzo Mancuso canto, harmonium

Molti pensieri e molte immagini affollano, in questo momento, la nostra mente. Come dentro a un vortice si rincorrono i fatti, le storie, i volti che hanno nel loro insieme contribuito a formare, passo dopo passo, il nostro percorso umano, ideale e artistico e che ci portano, oggi, a un approdo così importante e significativo. Siamo nati negli anni cinquanta del secolo scorso. Abbiamo conosciuto la Sicilia dei mestieri, dei contadini, degli emigranti. Abbiamo fatto in tempo ad ascoltare dalla voce delle donne e degli uomini i canti nelle chiese, nelle strade, nelle botteghe artigiane, nelle mulattiere, tra i campi. Nel lasciare la Sicilia, insieme al nostro bagaglio, abbiamo portato con noi la reminiscenza sonora di quel mondo che è diventata col tempo il lievito e il sale della nostra immaginazione musicale. Quel bagaglio, con gli anni, si è arricchito dei rumori delle città, delle fabbriche, delle voci del mondo, dei poeti e dei musicisti che abbiamo conosciuto, portatori tutti e testimoni di uno stupore del mondo che ha reso fecondo il nostro sguardo e la nostra espressione.

I Fratelli Mancuso sono nati a Sutera. Negli anni 70 emigrano a Londra e lì lavorano per otto anni in fabbrica. Tornati in Italia nel 1981 si stabiliscono a Città della Pieve. Hanno inciso in Spagna, gli album Nesci Maria, Romances de alla y de aca e Trazzeri e in Italia Sutera, la tradizione musicale di un paese della Sicilia, Bella Maria, Cantu, Requiem e Manzamà.
Nel 1997 partecipano come attori e compongono due brani per la colonna sonora del film: Il talento di Mister Ripley di Anthony Minghella. Compongono le musiche dei film: Via Castellana Bandiera di Emma Dante, L’Isola in cantata di Pasquale Scimeca e del docufilm Triokala di Leandro Picarella. Compongono la colonna sonora del film d’animazione Tufo con la regia di Victoria Musci che viene messo in onda da Rai3 Compongono le musiche delle opere teatrali di “Medea” di Emma Dante, “Cercatori di tracce e Rumore di acque” di Marco Martinelli, “Sette storie per lasciare il mondo” di Roberto Andò, “Assassina” di Vetrano Randisi (ERT di Modena), compongono anche le musiche insieme a Matteo D’amico dell’opera “Mi chiamo forse Alì”, regia Sandro Cappelletto.
Nel 2020 debuttano al Festival dei Due Mondi di Spoleto con l’opera “I messaggeri” con la regia di Emma Dante. Nel 2022 si esibiscono al Teatro Pavarotti di Modena nell’opera: “Profezia” di PierPaolo Pasolini di cui compongono le musiche insieme a Matteo D’Amico.
Si sono esibiti in Italia, Germania, Austria, Francia, Spagna, Portogallo, Finlandia, Lituania, Ungheria Giappone Sud America, Indonesia, Stati Uniti, Russia. Recentemente si esibiscono al Teatro Politeama e al Teatro Massimo di Palermo con l’orchestra Barocca nell’opera: Il diluvio universale di Michelangelo Falvetti. Alla Macchina dei sogni di Palermo nell’opera: Francesco giullare di Dio con Mimmo Cuticchio. In diretta su Rai Radiotre si esibiscono da Palermo nell’opera: La notte che l’uomo. Nel dicembre 2024 presentano a Budrio (BO) il concerto Contemporary Past (suoni delle culture musicali siciliane e salentine fra tradizione e innovazione) con Fontana Mix Ensemble. Hanno ottenuto numerosi premi e riconoscimenti tra cui: Il Premio Lo Straniero, il Premio SoundTrack Stars 70a mostra del cinema di Venezia e una Nomination al Globo d’oro e al Nastro d’argento per la migliore colonna sonora del film Via Castellana Bandiera di Emma Dante. Viene loro conferito il Dottorato Honoris Causa in Scienze Cognitive dall’Università di Messina. Nel 2020 pubblicano con Squilibri editori e 802Records il disco Manzamà che vince nel 2021 il Primo Premio Nazionale Città di Loano per la musica tradizionale e la Targa Tenco per il migliore disco in dialetto La scuola di cinematografia di Palermo produce e pubblica il docufilm: Chifteli la storia della loro vita con la regia di Dario Guarneri,  2021 Raitre  programma: Persone – E per compagno il canto, Rai 5 Cultura gli  dedica una puntata di Nessun dorma.

Pubblicazioni:

• Occhi di Vetro illustrato da Gianluigi Mara Ferri, 2015 Else edizione Orecchio Acerbo;
• Certi siri viu navi, illustrato da Gianluigi Toccafondo 2019 Else edizione Orecchio Acerbo (leporello);
• Cumu è sula la strata, con i disegni di Mimmo Paladino, 2024 Else edizione Orecchio Acerbo (leporello);
• Enzo Mancuso Sfrimma, 2019 Edizioni Mesogea.

QUARTETTO GUADAGNINI
Fabrizio Zoffoli violino
Cristina Papini violino
Matteo Rocchi viola
Alessandra Cefaliello violoncello

Musiche di M. Ravel e D. Shostakovich

Programma
L. van Beethoven | Quartetto per archi n. 16 in Fa Maggiore op. 135
D. Shostakovich | Quartetto No. 6 in Sol Maggiore, Op. 101

Fondato nel 2012, il Quartetto Guadagnini si è rapidamente affermato come una delle formazioni cameristiche più interessanti della sua generazione. A soli due anni dalla sua nascita, è stato insignito del prestigioso Premio Piero Farulli, nell’ambito del XXXIII Premio Franco Abbiati della Critica Musicale Italiana. Il quartetto ha suonato nelle principali sale da concerto italiane, ospite delle più rinomate stagioni musicali: Società del Quartetto di Milano, Amici della Musica di Firenze, Accademia Filarmonica Romana, Teatro La Fenice di Venezia, Stradivari Festival di Cremona (inaugurazione dell’Auditorium Arvedi), Unione Musicale di Torino, Bologna Festival, Musica Insieme Bologna, MiTo SettembreMusica, IUC di Roma, Lucca Classica, Ravenna Festival, Amici della Musica di Palermo, Teatro Ponchielli di Cremona, Camerata Musicale Barese, e molte altre. All’estero si è esibito in Francia, Austria, Germania, Svizzera, Finlandia, Ungheria, Giappone, Cina, Sud America, Thailandia ed Emirati Arabi. Nel 2015 ha suonato con la pianista Beatrice Rana all’Istituto Italiano di Cultura di Parigi, dove l’anno seguente è stato ensemble in residenza, eseguendo in prima assoluta due brani a lui dedicati da Silvia Colasanti e Domenico Turi. Nel 2016 è stato protagonista di una tournée nazionale promossa dal CIDIM, ha debuttato al Teatro La Pergola di Firenze per gli Amici della Musica e al Festival dei Due Mondi di Spoleto nello spettacolo Tre risvegli, con testo di Patrizia Cavalli, musica di Silvia Colasanti, regia di Mario Martone e la partecipazione dell’attrice Alba Rohrwacher. Nello stesso anno ha rappresentato l’eccellenza italiana in Cina, presso lo Shanghai Exhibition Center, su invito della Fondazione Stauffer. Il Quartetto ha collaborato con numerosi artisti di fama internazionale, tra cui Louis Lortie, Enrico Pace, Beatrice Rana, Avi Avital, Enrico Bronzi, Giovanni Gnocchi, Danusha Waskiewicz, Federico Colli e Krzysztof Jablonski, e nel campo della divulgazione musicale con Giovanni Bietti, Sandro Cappelletto e Oreste Bossini. La sua attività discografica comprende registrazioni per Tactus e Brilliant Classics. Tra queste, il CD Mercutio di Paolo Cavallone e For Five… di Raffaele Bellafronte in quintetto con il chitarrista Davide Di Ienno. Nel 2017 ha pubblicato un album dedicato a Brahms e Dvořák allegato alla rivista Amadeus, e nel 2022 un disco con musiche di Wolf-Ferrari, insieme al pianista Costantino Catena, che ha ottenuto eccellenti recensioni e riconoscimenti della critica. Vincitore di premi internazionali, il Quartetto ha completato un corso di perfezionamento presso l’Accademia “W. Stauffer” di Cremona. Ha studiato a lungo con Hatto Beyerle, storico violista del Quartetto Alban Berg, che è diventato la figura centrale nella sua formazione, e ha preso parte a sessioni dell’ECMA (European Chamber Music Academy). Ha inoltre seguito corsi con Patrick Jüdt e Günter Pichler, presso l’Accademia Chigiana di Siena e la ProQuartet di Parigi. È stato protagonista di programmi televisivi e radiofonici su RAI 3, RAI 5, RAI Radio3, Radio Vaticana, Radio Classica, RSI (Radio della Svizzera Italiana), tra cui Inventare il tempo, Musica da Camera con Vista e Visionari con Corrado Augias. Il Quartetto Guadagnini è attualmente “Artist in Residence” presso Lucca Classica e Roma Sinfonietta, e svolge un’intensa attività didattica: i suoi componenti insegnano nei Conservatori di Cesena-Rimini, Genova e Pesaro, e tengono regolarmente masterclass in Italia e all’estero, tra cui il Conservatorio del Tolima in Colombia. Suonano strumenti di liuteria contemporanea: un Marino Capicchioni (Rimini, 1962), un Lorenzo Frignani (Modena, 2024), e due strumenti del liutaio bresciano Filippo Fasser (viola 2012, violoncello 2016). Il quartetto è endorser ufficiale delle Jargar Strings (Danimarca).

PETER & THE WOLF LIVE
un film di SUZIE TEMPLETON
Orchestra del Conservatorio V. Bellini di Catania
Giuseppe Romeo direttore

Programma
Sergej Prokof’ev | Pierino e il lupo
W.A. Mozart | Sinfonia concertante in Mi bemolle maggiore K. 297b

Il film Premio Oscar 2008 per l’animazione Peter and The Wolf di Suzie Templeton con le musiche dal vivo  di  Prokof’ev.

Pierino e il lupo, negli anni, è divenuta una delle opere più famose di Prokofiev: si tratta di una fiaba musicale che si iscrive perfettamente nella tradizione delle favole russe nelle quali, solitamente, il mondo animale, acquisendo il dono della parola e dell’intelletto, interagisce con il mondo umano. Questa composizione, scritta nel 1936, pochi anni dopo che il compositore russo era tornato nella madrepatria. Prokofiev compone Pierino e il lupo nel quadro di un progetto musicale per l’infanzia realizzato da un teatro di Mosca. L’op. 67 di Prokofiev, numero d’opera della composizione in questione, in realtà è già incorniciata da altri brani dedicati ai bambini: l’op. 65 è l’album pianistico Musica per bambini (contenente 12 brani) e l’op. 68 sono i Tre canti infantili. Secondo alcuni studiosi, uno dei motivi per il quale il compositore si sia dedicato proprio in questo momento alla didattica, è la coincidenza del suo ritorno dall’estero (1933) con lo zhdanovismo, ovvero con l’inizio della censura delle arti operata dal responsabile della cultura dell’URS, Andrei Zhdanov. Prokofiev, dunque, pare rifugiarsi in questo periodo in un mondo incantevole: quello delle fiabe russe, un mondo che con disarmante semplicità ci riporta al naturale ciclo della vita e della natura.

Suzie Templeton ha conquistato il pubblico con il suo film d’animazione dal tono cupamente ironico Stanley, la storia di un uomo che si innamora del suo cavolo da concorso. In seguito ha fatto rabbrividire le giurie dei festival con l’inquietante *Dog*, vincitore di un premio BAFTA.
Nel complesso, i due film hanno ottenuto 39 premi internazionali nel campo dell’animazione, tra cui: Edinburgh International Film Festival 2001, McLaren Award for New British Animation; Ottawa International Animation Festival 2001, National Film Board of Canada Grand Prize; Royal Television Society National Student Television Awards 2001, Best Animation; Hiroshima International Animation Festival 2002, Hiroshima Prize; British Academy of Film and Television Arts 2002, BAFTA Award – Short Animation; Melbourne International Animation Festival 2002, Best Overall Film.

PETER & THE WOLF LIVE
un film di SUZIE TEMPLETON
Orchestra del Conservatorio V. Bellini di Catania
Giuseppe Romeo direttore

Programma
Sergej Prokof’ev | Pierino e il lupo
W.A. Mozart | Sinfonia concertante in Mi bemolle maggiore K. 297b

Il film Premio Oscar 2008 per l’animazione Peter and The Wolf di Suzie Templeton con le musiche dal vivo  di  Prokof’ev.

Pierino e il lupo, negli anni, è divenuta una delle opere più famose di Prokofiev: si tratta di una fiaba musicale che si iscrive perfettamente nella tradizione delle favole russe nelle quali, solitamente, il mondo animale, acquisendo il dono della parola e dell’intelletto, interagisce con il mondo umano. Questa composizione, scritta nel 1936, pochi anni dopo che il compositore russo era tornato nella madrepatria. Prokofiev compone Pierino e il lupo nel quadro di un progetto musicale per l’infanzia realizzato da un teatro di Mosca. L’op. 67 di Prokofiev, numero d’opera della composizione in questione, in realtà è già incorniciata da altri brani dedicati ai bambini: l’op. 65 è l’album pianistico Musica per bambini (contenente 12 brani) e l’op. 68 sono i Tre canti infantili. Secondo alcuni studiosi, uno dei motivi per il quale il compositore si sia dedicato proprio in questo momento alla didattica, è la coincidenza del suo ritorno dall’estero (1933) con lo zhdanovismo, ovvero con l’inizio della censura delle arti operata dal responsabile della cultura dell’URS, Andrei Zhdanov. Prokofiev, dunque, pare rifugiarsi in questo periodo in un mondo incantevole: quello delle fiabe russe, un mondo che con disarmante semplicità ci riporta al naturale ciclo della vita e della natura.

Suzie Templeton ha conquistato il pubblico con il suo film d’animazione dal tono cupamente ironico Stanley, la storia di un uomo che si innamora del suo cavolo da concorso. In seguito ha fatto rabbrividire le giurie dei festival con l’inquietante *Dog*, vincitore di un premio BAFTA.
Nel complesso, i due film hanno ottenuto 39 premi internazionali nel campo dell’animazione, tra cui: Edinburgh International Film Festival 2001, McLaren Award for New British Animation; Ottawa International Animation Festival 2001, National Film Board of Canada Grand Prize; Royal Television Society National Student Television Awards 2001, Best Animation; Hiroshima International Animation Festival 2002, Hiroshima Prize; British Academy of Film and Television Arts 2002, BAFTA Award – Short Animation; Melbourne International Animation Festival 2002, Best Overall Film.

Amstel Anniversary: Greatest Hits

AMSTEL QUARTET
Vitaly Vatulya sassofono soprano
Olivier Sliepen sassofono alto
Bas Apswoude sassofono tenore
Harry Cherrin sassofono baritono

Programma
J. Rivier | Grave et Presto
M. Ravel | Pavane pour une infante défunte
M. Nyman | 2nd String Quartet
C. Lauba | Mambo
J. P. Sweelinck | Chromatic Fantasy
P. Glass | Mishima (arr. Amstel Quartet) 
G. Lago | Ciudades | Sarajevo & Addis Ababa
S. Barber | Adagio opus 11

Nel 1997 l’Amstel Quartet ha fatto il suo debutto nel panorama della musica classica. Grazie al virtuosismo, alla creatività e a una cifra sonora inconfondibile, il quartetto ha contribuito a definire un nuovo standard per questa formazione. A trent’anni di distanza, l’Amstel Quartet celebra questo importante anniversario con “Amstel Anniversary”, un programma che ripercorre le musiche che ne hanno segnato la carriera, mettendone in risalto la versatilità e l’autenticità interpretativa.
“Amstel Anniversary” esprime pienamente lo spirito avventuroso del quartetto e propone un ricco percorso attraverso il suo repertorio: dai capolavori del minimalismo a originali trascrizioni di musica barocca, senza dimenticare alcune pagine fondamentali della letteratura per quartetto di sassofoni. Il programma comprende inoltre opere composte appositamente per l’Amstel Quartet, entrate ormai stabilmente nel repertorio internazionale.
Un viaggio musicale attraverso trent’anni di storia e, allo stesso tempo, una celebrazione di tre decenni di ricerca, innovazione e straordinario virtuosismo nel mondo del sassofono firmati Amstel Quartet.

Amstel Quartet è un quartetto di sassofoni di Amsterdam, noto per l’approccio originale e anticonvenzionale alla programmazione e per un suono raffinato, maturato in oltre venticinque anni di attività. Apprezzato per la grande espressività e la capacità di muoversi con naturalezza tra linguaggi musicali molto diversi, l’ensemble ha ottenuto ampi consensi sia dal vivo sia nelle numerose registrazioni discografiche. Le sue interpretazioni mettono in luce non soltanto la straordinaria versatilità del sassofono, ma anche la particolare capacità dei quattro musicisti di instaurare un rapporto immediato con il pubblico attraverso repertori e stili differenti.
Una parte importante dell’attività dell’Amstel Quartet è dedicata alla collaborazione con compositori contemporanei. Negli ultimi anni il gruppo ha eseguito in prima assoluta opere di Christian Lauba, Hugues Dufourt, Maxim Shalygin, Michael Torke, Reza Namavar e molti altri. Il confronto diretto con i compositori permette di esplorare e sviluppare nuove possibilità timbriche ed espressive del quartetto di sassofoni, dando vita a lavori spesso caratterizzati da grande virtuosismo e brillantezza, entrati stabilmente nel repertorio dell’ensemble.
L’Amstel Quartet amplia ulteriormente la propria tavolozza sonora attraverso l’impiego dell’Akai EWI, uno strumento elettronico a fiato capace di produrre una vastissima gamma di suoni ed effetti. L’ensemble lo ha utilizzato per interpretare musiche di Philip Glass, realizzare adattamenti di opere preesistenti e presentare in prima assoluta il primo brano concepito specificamente per un quartetto di EWI, composto dal tedesco Christian Biegai.
Il repertorio dell’Amstel Quartet, arricchito in modo significativo dagli arrangiamenti realizzati dagli stessi componenti del gruppo, attraversa secoli di storia musicale: dal Rinascimento e dal Barocco fino alla musica del XXI secolo. Accanto alla tradizione concertistica trovano spazio musica elettronica, canzoni arabe, chanson française, colonne sonore e repertori di matrice popolare. Sono pochi gli ensemble cameristici che possono annoverare nello stesso repertorio autori e artisti tanto diversi quanto Kraftwerk, Mozart, Andriessen ed Édith Piaf. Al di là dei generi e delle epoche, tuttavia, l’Amstel Quartet affronta ogni musica con la stessa cura, autenticità e padronanza interpretativa.
Il quartetto si è esibito in prestigiose sale da concerto internazionali, tra cui il Concertgebouw di Amsterdam, la Philharmonie Luxembourg e la Carnegie Hall di New York, svolgendo inoltre numerose tournée in Europa, Regno Unito, Russia, Medio Oriente, Cina, Giappone, Canada e Stati Uniti.
Nel corso della sua carriera l’Amstel Quartet ha ricevuto numerosi riconoscimenti internazionali, tra cui il Concert Artists Guild Management Award, il Kersjes Prize e il Gaudeamus International Interpreters Prize.
L’ensemble ha pubblicato dodici CD. Il più recente è dedicato alla musica del compositore neoclassico lettone Georgs Pelēcis e ha ricevuto il plauso della rivista Luister, che ne ha sottolineato la «sublime interpretazione».

GIOVANNI BERTOLAZZI pianoforte

Programma
F. Liszt | Parafrasi da concerto su Ernani di Verdi, S. 432, Consolazione n. 3, S. 172, Mephisto-walzer n. 1, S. 514
S. Rachmaninov | Sonata No. 2 in SI Bemolle Minore, Op. 36 (1931)
I. Stravinsky / G. Agosti | L’oiseau de feu – Danse infernale, Berceuse et Finale

Giovanni Bertolazzi si impone sulla scena internazionale vincendo il 2° premio e 5 premi speciali al prestigioso Concorso Internazionale “Franz Liszt” di Budapest. Nel 2024 riceve il 43° “Liszt Ferenc International Grand Prix du Disque”, conferitogli dalla Società Liszt di Budapest per le sue registrazioni lisztiane, a ulteriore riconoscimento del suo percorso interpretativo dedicato al compositore ungherese. Questi risultati sono preceduti da più di 40 premi in concorsi pianistici internazionali, come il “Busoni” di Bolzano, il “Thalberg” di Napoli, il “Premio Alkan” di Milano. Nel 2022 viene premiato con il “Tabor Foundation Award” al Verbier Festival (Svizzera) e nel 2023 riceve il Premio Internazionale “Guglielmina Durini Litta” a Milano. Tra gli eventi più salienti della sua carriera vi sono i concerti con l’Hungarian Philharmonic, la Kodály Philharmonic, l’Orchestra del Teatro la Fenice di Venezia, l’Orchestra del Teatro Nazionale dell’Opera e del Balletto di Tirana, l’Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino. Si esibisce in importanti sedi e per prestigiose organizzazioni musicali tra cui Società del Quartetto di Milano, Teatro La Fenice, Teatro del Maggio Musicale Fiorentino, Bologna Festival, Festival Pianistico Internazionale di Brescia e Bergamo, Palazzo del Quirinale, Ferrara Musica, “F. Liszt” Academy of Music e “F. Liszt” Memorial Museum a Budapest, Verbier Festival, Liszt-Festival a Schillingsfürst, Teatro Nazionale dell’Opera di Tirana, Pharos Arts Foundation (Cipro), Castleton Festival Theatre House (Virginia, USA).

È stato il protagonista della presentazione al pubblico del pianoforte da concerto più lungo al mondo, il BORGATO Grand Prix 333 (3 metri e 33 centimetri). Su questo straordinario strumento ha registrato due album dedicati interamente a musiche di Liszt e pubblicati da BORGATO Collection, premiati dalla critica internazionale con riconoscimenti quali “Supersonic Pizzicato Award”, diverse recensioni a 5 stelle, Nomination agli “International Classical Music Awards”.
Il critico internazionale Bryce Morrison, dopo aver ascoltato questi lavori discografici, ha scritto in “The Art of Pianists”:
“Bertolazzi è un chiaro possessore di talento, qualcosa che sfolgora con una forza comunicativa (ma anche con una delicatezza poetica) capace di catturare l’attenzione”.
I suoi concerti e i suoi dischi vengono diffusi da Radio France Musique, Bartók Rádió, Rai Radio3, Radio Romania Muzical. Inoltre, la trasmissione “Mestiere Teatro” di Paolo Gavazzeni su Sky Classica HD gli ha dedicato una puntata.
Nel settembre 2026 viene pubblicato il suo nuovo album dedicato a Liszt per l’etichetta Piano Classics, comprendente l’integrale degli Studi da Paganini e degli Studi da concerto.

Nato a Verona nel 1998, si è avvicinato al pianoforte da bambino, crescendo in una famiglia particolarmente interessata alla cultura, all’arte ed alla musica. Dopo essersi brillantemente diplomato presso il Conservatorio di Venezia sotto la guida di Massimo Somenzi, ha proseguito gli studi presso il Conservatorio di Catania con Epifanio Comis, laureandosi con il massimo dei voti e la lode. È titolare di una cattedra di Pianoforte principale presso il Conservatorio di Ferrara.
Dal 2023 viene invitato regolarmente a tenere Masterclass per le Università di Debrecen e Tirana.

CHRISTMAS SONGS
Paolo Fresu tromba, flicorno, effetti
Daniele di Bonaventura bandoneon, effetti
Leila Shirvani violoncello

Nel dicembre del 2012 mi chiesero un concerto da tenere nel periodo natalizio per la città di Sassari. L’idea originaria era quella di integrare il repertorio abituale con alcuni brani relativi al Natale ma l’idea di realizzarlo per intero su questo tema prese immediatamente il sopravvento. Da un po’ di anni, infatti, con i miei gruppi amavo suonare qualche brano natalizio in coincidenza del periodo dell’Avvento. Scegliemmo stavolta una strada diversa, unendo ad alcuni brani forse più tradizionalmente conosciuti, melodie natalizie certamente meno famose ma di straordinario interesse. Molte di queste fanno quasi totalmente parte del conosciuto repertorio delle “Cantones de Nadale” che il parroco e letterato berchiddese Pietro Casu scrisse assieme al Canonico Agostino Sanna di Ozieri nel Dicembre del 1927, e che da allora vengono eseguite in tutta la Sardegna. Ho ancora nelle orecchie le melodie celestiali di “Notte de chelu” e “In sa notte profundha” cantate dal coro di Berchidda e da tutti i fedeli la notte di Missa ‘e puddhos. Fuori spesso nevicava, e nelle case i camini erano accesi in attesa del pranzo di Natale e dei regali. Gli agnellini con il fiocco rosso, donati dai pastori ai bambini, belavano nelle case e attendevano il ritorno dei fedeli dopo quella messa che noi chierichetti avevamo l’onore di servire in quella notte speciale. Le voci di Frank Sinatra, Mel Tormé e Bing Crosby arrivarono dopo, con la televisione, e hanno incarnato nell’immaginario comune il sogno americano, i cartoons di Walt Disney e i grandi alberi addobbati e circondati da pacchi luccicanti ma spesso anche da regali poveri ma dal sapore intenso come quelli offerti dalla terra. Due mondi diversi e lontani accomunati da sempre da belle canzoni. Popolari quelle di Pietro Casu ma altrettanto popolari quelle di “White Christmas”, “Have Yourself A Merry Little Christmas” o “The Christmas Song”. Ma esistono anche una terza e una quarta via all’infinito repertorio natalizio. Si tratta di quelle songs che raccontano di renne che partono dalle lande del Nord per portare i regali ai bimbi, e di gioie vissute con coloro a cui vogliamo bene. Quelle che la stella cometa porta con sé in tutto il mondo e che qui sono raccontate in “Till Bethlehem” e “Joy To The World”. Il Natale di ognuno di noi è differente, ma è invece uguale il senso della felicità e di condivisione che appartiene ai popoli di tutti i continenti. CHRISTMAS SONGS è, in breve, il nostro modo di mettere insieme, in musica, sensazioni e ricordi indimenticabili. Abbiamo deciso di vivere il progetto in maniera più intimista nella figurazione di un trio con Daniele di Bonaventura e la straordinaria bellezza del suono angelico del violoncello di Leila Shirvani vincitrice assoluta per oltre 30 volte in concorsi nazionali ed internazionali, collaboratrice storica di Giovanni Sollima e Enrico Melozzi e già in qualche occasione accanto a me oltre che protagonista di alcuni dei progetti discografici della mia etichetta discografica tra cui il fortunato “Lumina”.

Paolo Fresu

VOCI INTRECCIATE
Mirijam Contzen violino
Natalie Clein violoncello

Programma
J. S. Bach | Selezione in due parti da Sinfonie e Invenzioni BWV 772–801, nella versione per violino e violoncello
M. Ravel | Sonata per Violino e Violoncello “Alla memoria di Claude Debussy” M. 73
Z. Kodály | Duo per Violino e cello Op. 7

Mirijam Contzen è internazionalmente apprezzata come solista, camerista, docente e direttrice artistica. Le sue interpretazioni sono l’espressione di una tecnica di alto profilo e di avvincente raffinatezza, frutto di un suono ricco di energia e comunicazione e di una comprensione del testo musicale estremamente profonda. Nel Gennaio 2020 per Sony Classical l’inteprete ha inciso i due concerti per violino di Franz Clement con la WDR Symphony Orchestra di Colonia e la direzione di Reinhard Goebel, direttore con il quale la violinista ha lavorato intensamente e a lungo. Franz Clement è stato il dedicatario del concerto di Beethoven per violino, che lo aveva scritto in risposta al primo dei due concerti di Clement. Questo album è stato premiato con il Deutschen Schallplattenkritik come miglior incisione del 2020. Nel corso del 2021/22, come parte della nuova serie mozartiana di Sony Classical, il suo nuovo album con il concerto in Mi bemolle maggiore KV365, attribuito a Mozart, come prima registrazione di questo lavoro dal 1965, ha visto il sostegno dell’Orchestra del Mozarteum di Salisburgo e la direzione di Reinhard Goebel. La violinista è spesso invitata dalla Konzerthaus di Berlino, dai Solisti Europei del Lussemburgo, dalla Bamberg Symphony Orchestra, l’Ensemble Resonanze, l’Orchestra da Camera Georgiana di Ingolstdt e la Staatskapelle Halle. Fin dall’inizio della sua carriera artistica, Mirijam Contzen è stata un convinto avvocato di repertori poco frequentati. In questa veste ha inciso il concerto per violino di Nicolas Bolens “ Dietro di te Marciano le stelle”, con l’Orchestra della Suisse Romande. L’artista è stata ospite di celebri orchestra quali il Gewandhaus di Lipsia, la Frankfurt Radio Symphony, la German Radio Philarmonic, la Hamburg Philarmonic Orchestra, la Israel Chamber Orchestra, la City of Birmingham Orchestra, la BBC Philarmonic Orchestra. I direttori con i quali ha collaborato sono Ivan Fischer, Gianandrea Noseda, Vladimir Fedosejev, Leif Segerstam, Lothar Zagrosek, Raphael Frühbeck de Burgos, Eliahu Inbla, Michael Sanderling, Mario Venzago, Gabriel Feltz e Gabor Takacs- Nagy. La passione per la musica da camera l’ha portata ad esibirsi con solisti di altro profilo quali Emmanuel Ax, Joshua Bell, Misha Maisky, Clemens Hagen, Herbert Schuch, Tobias Bredohl e la cellista Natalie Clein. Dal 2016 Mirijam Contzen è professore di violino all’Università di Berlino.

Natalie Clein, descritta dal Times come «ipnotica» e «animata da una passione travolgente», è una violoncellista britannica che ha costruito una prestigiosa carriera, esibendosi regolarmente nelle principali sale da concerto e con orchestre di tutto il mondo. Nel 2021 Natalie è stata insignita dell’OBE (Officer of the Order of the British Empire) per i suoi servizi alla musica. Incide regolarmente per Hyperion e, per le sue precedenti registrazioni, ha ricevuto un Diapason d’Or, il riconoscimento Gramophone Disc of the Month e un Brit Award.
È regolarmente invitata a collaborare con importanti orchestre internazionali, tra cui la Philharmonia Orchestra, la Hallé Orchestra, la Bournemouth Symphony Orchestra, la City of Birmingham Symphony Orchestra, l’Orchestre symphonique de Montréal, l’Orchestre National de Lyon, la New Zealand Symphony Orchestra, l’Opole Philharmonic, la St Petersburg Symphony Orchestra e l’Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. Ha inoltre suonato sotto la direzione di direttori quali Sir Mark Elder, Sir Roger Norrington, Gennady Rozhdestvensky, Leonard Slatkin, Heinrich Schiff e Daniel Harding.
Tra gli impegni più importanti delle ultime stagioni figurano tournée di recital in Australia, Nord e Sud America e Irlanda.
Nel gennaio 2024 Natalie ha eseguito in prima assoluta un nuovo concerto scritto per lei da Deirdre Gribbin, insieme alla Ulster Orchestra diretta da David Brophy; all’inizio della stessa stagione si era esibita con i BBC Singers in un’esecuzione di Svyati di Tavener.
In recital si esibisce frequentemente con artisti quali Marianna Shirinyan, Cédric Pescia, Christian Ihle Hadland, Einav Yarden, Nurit Stark e Anthony Marwood. Ha inoltre collaborato con Martha Argerich, Ian Bostridge, Simon Keenlyside, Imogen Cooper, Lars Vogt, Isabelle Faust, Leif Ove Andsnes e Yeol Eum Son.
Natalie collabora stabilmente anche con la cantante Ruby Hughes e con Julius Drake nel progetto “Tre Voce” e si esibirà con loro nella stagione cameristica 2024/25 del Southbank Centre, alla Queen Elizabeth Hall (QEH).
Tra gli altri prossimi appuntamenti di rilievo figurano un recital nell’ambito della stagione di musica da camera della Wigmore Hall, l’esecuzione integrale delle Suite di Bach nella nuova serie della Wigmore a Dublino, oltre ad altri recital e concerti in Danimarca, Svizzera, Italia, Germania e Regno Unito.
È stata inoltre coinvolta in progetti interdisciplinari con il danzatore Carlos Acosta, la scrittrice Jeanette Winterson e la regista Deborah Warner, tra gli altri.
È Direttrice Artistica del Purbeck International Chamber Music Festival, nel Dorset, e ha curato rassegne per BBC Radio 3 e Kings Place.
Docente appassionata, dal 2019 è Professoressa di violoncello presso la Hochschule für Musik und Theater di Rostock, in Germania. È inoltre Visiting Professor di violoncello al Royal College of Music e partecipa a masterclass e giurie in tutto il mondo, tra cui quelle del Concorso Queen Elizabeth di Bruxelles e del Concorso Internazionale ARD di Monaco.
Nata nel Regno Unito, Natalie ha raggiunto una vasta notorietà vincendo sia il BBC Young Musician of the Year sia l’Eurovision Competition for Young Musicians di Varsavia, risultando l’unica vincitrice britannica nella storia del concorso.
Ha studiato con Heinrich Schiff a Vienna e suona il violoncello “Simpson” Guadagnini del 1777.

PIAZZOLLA, LA RIVOLUZIONE DEL TANGO
un film di Daniel Rosenfeld

Il Tango sei tu. Sono i tuoi sentimenti, gli stati d’animo, le tue gioie o le tue tristezze a definirne il colore e il significato. Un brano dalle cadenze ampie e dal ritmo particolarmente lento può sembrare a te malinconico e nostalgico e a un tuo amico caldo, intrigante e ricco di sensualità. Quale delle due impressioni è la più vera? Tutte e due, perché il Tango è fatto così. Entra nel cuore passando dal canale aperto in quel momento e ne assume la natura. Astor Piazzolla

Il film è un inedito ed evocativo viaggio nel cuore della vita e la musica di Astor Piazzolla, il mitico compositore argentino che rivoluzionò il tango.
Nel 2021, anno del Centenario della nascita del genio del tango,  per la prima volta vennero aperti al pubblico dal figlio Daniel gli archivi del leggendario bandoneonista: fotografie, nastri vocali e riprese in super8, che non solo rafforzano la dimensione pubblica e il contributo al mondo della musica, ma che fanno luce sull’intimità dell’artista.
Il regista Daniel Rosenfeld può così a comporre un ipnotico ritratto di Piazzolla: l’infanzia a Manhattan con il padre Nonino (da qui la celebre “Adios Nonino”); gli inizi di carriera con i più grandi musicisti di tango dell’epoca; la passione per la caccia agli squali; il nuevo tango, mix originale di tango e jazz; l’iniziale rifiuto dei tradizionalisti e della critica musicale; la famiglia; i misteri dell’atto creativo.

Il film ha fatto la sua premier al Festival IDFA di Amsterdam, e ha vinto tra gli altri il Premio Sur (gli Oscar argentini) e il Premio Cóndor de Plata come Miglior Documentario.

Campione d’incassi in patria, il Clarin così scrisse dopo la prima: “Gli ammiratori di Astor non resteranno delusi: godranno della sua musica e ascolteranno dalla sua stessa voce i pensieri che hanno generato la rivoluzione. Per chi invece ancora non conosce Piazzolla, il film sarà un ottimo strumento per avvicinarsi all’uomo che, combinando i generi, ha cambiato per sempre la storia del tango.”.

Daniel Rosenfeld (Buenos Aires, 1973) è un regista e produttore argentino, premiato e riconosciuto a livello internazionale: i suoi film hanno partecipato a grandi Festival come Berlino, Venezia, San Sebastian e Karlovy Vary.
Prima di dedicarsi al cinema il suo sogno era diventare compositore e pianista, da qui la musica ha sempre costituito un valore determinante nel suo lavoro.
Esordisce infatti con il documentario: “Saluzzi, ensayo para bandoneón y tres hermanos” (“Saluzzi, composizione per bandoneon e tre fratelli”, 2000), dove racconta il processo creativo del musicista Dino Saluzzi, compositore di grandi colonne sonore come “Nouvelle Vague” di Jean Luc Godard e “Tutto su mia madre” di Pedro Almodóvar.
Con il suo secondo lungometraggio “La quimera de los héroes” (“La chimera degli Eroi”, 2003), coprodotto dalla Zentropa di Lars Von Trier, riceve due premi alla Mostra del Cinema di Venezia. Il film, di forte impronta sociale, mescola strutture narrative di finzione e documentario, attraverso la storia di un ex-rugbista argentino con ideologie estreme e fasciste che cerca la sua redenzione insegnando il proprio sport in una comunità di indios.
Il suo terzo film, “Cornelia frente al espejo” (“Cornelia allo specchio”, 2012), è tratto dal romanzo di Silvina Ocampo, la grande scrittrice argentina ammirata da Borges e Italo Calvino. Presentato all’IDFA di Rotterdam, dopo aver vinto il premio di post produzione della Hubert Bals Foundation, ha ricevuto cinque nomination ai National Film Awards 2013 dell’Accademia del Cine Argentino.
Con “Al centro de la tierra” (“Al centro della terra”, 2015), Rosenfeld in collaborazione del direttore di fotografia Ramiro Civita, esplora di nuovo i limiti della finzione e il documentario attraverso la figura di un ricercatore di Ufo. Il film è stato premiato al Festival BAFICI di Buenos Aires e al FID Marseille.
“Piazzolla, los años del tiburón” (“Piazzolla, la rivoluzione del tango”, 2018), distribuito in Italia da Exit Media, è il suo quinto lungometraggio, in cui torna ai suoi temi più cari, la musica, la memoria storica, i limiti della rappresentazione della realtà, raccontando uno dei più grandi geni della musica del XX secolo.
Laureato in Mass Media, Daniel Rosenfeld ha studiato montaggio con Miguel Pérez, scenografia con Augusto Fernandes, recitazione con Julio Chávez, e ha seguito seminari con Krysztof Kieslowsky, Stephen Frears, Jorge Goldenberg, Lita Stantic, Ken Adam, Alessandro Baricco, Antonhy Mingella e Abbas Kiarostami.
Ha lavorato a diversi lungometraggi come assistente alla regia di Alejandro Agresti (“Buenos Aires Viceversa”, “El viento se llevó lo qué”), e con Sebastian Borenztein e Pablo Fisherman come coordinatore di post-produzione.

OMAGGIO A ROSA BALISTRERI
per il centenario della grande cantante siciliana una serata speciale con

Eleonora Bordonaro, Rita Botto, Oriana Civile, Miriam Palma voci
Puccio Castrogiovanni marranzano, plettri
Marco Corbino chitarra

Rosa Balistreri (1927-1990) è stata una delle più grandi interpreti della musica popolare siciliana e una figura emblematica nella storia culturale dell’Italia del dopoguerra, ponendosi in posizione mediana fra portatrice originale ed esecutrice di revival riproponendo infatti nei suoi spettacoli un vasto bagaglio di canti appreso durante l’infanzia, ma anche interpretando canzoni popolari di varia provenienza.
Dotata di una originalissima voce, dal timbro forte e molto scuro, ricca di ornamenti, vibrati e melismi e soprattutto di una carica umana non comune, ha saputo fornire interpretazioni di intensa drammaticità e di livello qualitativo notevole, interpretando con grande passione il ricco patrimonio dei canti tradizionali siciliani.
La sua opera non è solo un omaggio alla tradizione musicale siciliana, ma un inno alla dignità umana e alla capacità di resistere alle avversità. La sua voce è ancora oggi un simbolo di ribellione e speranza, un richiamo a non dimenticare le storie e le lotte di chi ha vissuto ai margini della storia.

HUGO TICCIATI violino e direttore

con gli Archi del Conservatorio V. Bellini di Catania

Torna a Catania Hugo Ticciati, come musicista in residenza dell’AME per la Stagione 2027, proseguendo il lavoro con i giovani talenti del Conservatorio Vincenzo Bellini di Catania avviato nel 2024.
Per l’occasione il violinista e direttore sta elaborando uno dei suoi innovativi programmi  musicali che vi comunicheremo a breve.

Ticciati ha reinventato l’arte dell’ascolto attraverso la creazione di programmi che mettono in discussione i confini tra i diversi generi musicali.

Dagens Nyheter

Violino solista e direttore d’orchestra, Hugo Ticciati, classe 1980 ha eseguito composizioni in prima mondiale nelle sedi più prestigiose del mondo. Ad oggi sono a lui dedicate più di quaranta opere firmate da compositori di rilievo: tra questi Erkki-Sven Tüür, Pēteris Vasks, Victoria Borisova-Ollas, Albert Schnelzer e Dobrinka Tabakova. Direttore artistico dell’Orchestra O/Modernt e dell’omonimo Festival, Hugo Ticciati collabora frequentemente con Kremerata Baltica, Manchester Camerata, Scottish Chamber Orchestra, Lithuanian Chamber Orchestra, Tallinn Chamber Orchestra. Frequenti le sue innovative programmazioni create in collaborazione con Wigmore Hall e Kings Place di Londra. È docente presso Lilla Akademien, la principale scuola di musica della Scandinavia, e viene frequentemente invitato da numerose istituzioni didattiche in tutto il mondo. Dirige il Festival O/Modernt di Stoccolma e la O/Modernt Chamber Orchestra.