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RingLike 2.0

PAOLO SORGE chitarra, composizione direzione musicale

GIOVANNI CUTELLO sax

EUGENIO MACCHIA pianoforte e tastiere

DANILO GALLO basso

LLUIS NAVAL batteria

BELLINI JAZZ ENSEMBLE

Iris Morelli flauto
Helen Maria Longo Merendino oboe
Francesco Scacco clarinetto
Thomas Curcuruto corno
Americo Spaziano fagotto

MARCO SCHILLACI regia e visuals

BIAGIO GUERRERA testi e voce recitante

RingLike 2.0 è una performance multimediale che mette insieme dal vivo cinema, musica e poesia.
Un regista, un compositore e un poeta raccontano una Sicilia inedita tra realtà e invenzione.
Prima assoluta

Note di regia

Quando mi è stato chiesto di lavorare a questo progetto ho visto subito l’opportunità di combinare insieme tre elementi, suono, immagini e parlato, in modo da farli convivere, creando così un unico livello di racconto e di comunicazione emozionale.
Credo che questo sia un format ad oggi poco esplorato, soprattutto nella dimensione live.
Non è cinema, non è concerto, non è performance, ma è tutte e tre le cose insieme.
Il lavoro visivo è stato principalmente realizzato con una tecnica mista, dove il fatto di utilizzare delle fotografie rendendole “filmiche”, che poteva sembrava all’inizio un limite, è in realtà diventato la cifra stilistica del progetto.
Ho un grande archivio fotografico, forse inconsapevolmente, costruito negli anni, e sono un regista, che vuol dire che sono uno che racconta delle storie. Il mio background fotografico è molto forte, ma prima di questo progetto non l’avevo mai mischiato con la regia.
Posso dire che quando faccio una foto sono una persona e quando faccio un film sono un’altra. Cioè la mia testa ragiona in due modi completamente diversi. Qui ho messo insieme le mie due anime e per me questa cosa è magica. La fotografia è un’arte solitaria, devi essere solo, perché la fotografia è quello che tu vedi e che nessun altro vede. Invece quando fai un progetto del genere devi lavorare con tante persone diverse, la differenza è colossale, affascinante.
Ho un modo molto istintivo di lavorare. Più che l’ispirazione, il mio problema è sempre arrivare a realizzare qualcosa che emozioni. Perché puoi avere un’immagine bellissima, ma se non è giusta rispetto a quello che viene prima e quello che viene dopo il lavoro non “funziona”. Ho deciso di animare le fotografie usando AI perché non volevo che fossero statiche. Il primo fotogramma è la foto originale, poi quello che succede dopo quel primo fotogramma è l’animazione che rispetta però il valore fotografico ed il contenuto di quella che era l’immagine originale. A volte ho aggiunto degli elementi alle immagini per drammatizzare la scena.
Contemporaneamente ho scelto di usare delle parti filmate per creare un’alternanza di emozioni visive e di ritmo.  Ho usato soprattutto dei tagli molto lunghi, sino a quattro minuti, anche se non è una cosa che si fa normalmente.  
Non razionalizzo mai quello che sto facendo. Lo faccio, e se mi dà emozioni vuol dire che funziona e così che trovo il mio modo di comunicare.
Le foto, i filmati, la musica, la voce… ho messo tutto insieme e vorrei che il pubblico entrasse in un mondo che abbiamo inventato noi, che non c’è.
Ma quando inventi un mondo è fondamentale basarti sulla realtà. E la realtà da cui sono partito è al 90% la Sicilia.
È una terra forte, una terra di contrasti e questo ti consente di raccontare le parti belle e le parti meno belle… che poi anche le parti meno belle diventano belle nel racconto.
Dopo 35 anni passati lontano da questa terra che mi ha profondamente segnato –  da un punto di vista culturale, visivo, di sfumature, di sensazioni – mi sembrava naturale e doveroso dare alla Sicilia un ruolo principale in questo lavoro.

Marco Schillaci

RingLike (che potremmo tradurre in “come un anello”) è un neologismo che ho inventato per riassumere in una parola le mie prime ispirazioni nell’accingermi alla composizione della suite commissionatami dall’AME – Associazione Musicale Etnea di Catania nel 2014. In quel periodo stavo definendo un mio personale metodo e stile compositivo basato sullo studio dei fenomeni musicali ciclici, ovvero sulla possibilità di far derivare da una semplice combinazione di numeri le ciclicità ritmiche, melodiche, armoniche e quindi la struttura e la forma di una composizione. Un sistema empirico che potremmo considerare affine a certi procedimenti seriali di scrittura automatica del Novecento, ma molto più giocoso e infantile. Niente di nuovo, insomma, ma mi divertivo! Sentivo però anche il bisogno di controbilanciare lasciando alcuni elementi della mia musica volutamente aperti o non definiti, permettendo ai musicisti alcuni spazi di improvvisazione e di interazione, per evitare che un sistema così rigoroso per generare materiale musicale finisse per soffocare la libertà e il senso del divertimento nel modellare la materia sonora, caratteristiche del buon jazz di ogni epoca che mi ispira da sempre. Ho immaginato una piccola sezione di quattro strumenti a fiato eterogenei con il clarinetto basso, il corno francese, il sax contralto e soprano e i flauti, per costruire un colore timbrico evocativo da affiancare al canonico trio jazz chitarra/ contrabbasso/batteria. Questa è la mia personale ricerca di un equilibrio fra l’elemento dionisiaco e quello apollineo, tra scrittura rigorosa e libera improvvisazione, tra ciclicità/reiterazione/staticità ed elaborazione/ narrazione/melodia in divenire. Un senso di dualismo, in fondo, è anche parte della mia biografia musicale da jazzista autodidatta e “militante” ma con un bagaglio importante di studi accademici di composizione, con il mio bisogno di strutture musicali solide e ben determinate e la mia voglia di improvvisare variazioni sul tema senza troppi vincoli alla creatività. Nel piacere sincero del dialogo con gli altri musicisti e con chi ascolta.

Paolo Sorge

N Sicilianu

Da anni giro per la Sicilia alla ricerca di storie, paesaggi, emozioni. Tutto questo a volte si trasforma in parole che mi attraversano e che poi diventano libri, pezzi di un lungo diario ancora in progress.  Ma è nella dimensione orale che le sento più vere, più giuste. Qui si parla un siciliano risuonante, orale, impuro, meticcio, a volte “sbagliato”, un mondo sonoro dove sono entrato più di trent’anni fa e da cui non sono più uscito, un’atmosfera che si è sempre nutrita di teatro, di poesia, di musica. Non si sceglie la poesia, così come non si sceglie nessuna cosa importante della nostra vita… e ogni regalo è una consegna.

Biagio Guerrera

Paolo Sorge, chitarrista e compositore, da oltre vent’anni conduce una ricerca trasversale nell’ambito delle musiche d’improvvisazione, coltivando contemporaneamente vari linguaggi musicali, e dedicandosi alla composizione intesa come sperimentazione di vari equilibri possibili tra scrittura e improvvisazione. Vanta una notevole attività concertistica e numerose incisioni discografiche con musicisti di spicco del panorama Jazzistico nazionale ed internazionale. Attualmente insegna al Conservatorio Vincenzo Bellini di Catania.

Marco Schillaci, regista e produttore Schillaci vive e lavora tra gli Stati Uniti e l’Italia.
Nel corso della sua carriera ha collaborato con le migliori agenzie internazionali prima come fotografo e poi come regista vincendo numerosi premi e riconoscimenti. Recentemente ha realizzato l’episodio “Italy” per la serie TV Phenoms per Fox negli Stati Uniti. Lavora adesso allo sviluppo della serie TV Mix The World di cui ha realizzato l’episodio pilota.

Biagio Guerrera, poeta e performer Guerrera scrive in Siciliano ed è autore di quattro raccolte poetiche, di testi teatrali e canzoni. Nel 2019 ha vinto il Premio Lerici Pea “Paolo Bartolani” su segnalazione di Andrea Camilleri e Manuel Cohen. Molto attivo come operatore culturale, curatore e produttore. 

HUGO TICCIATI violino e direttore

con gli Archi del Conservatorio V. Bellini di Catania

Programma

Hildegard von Bingen | Vos flores rosarum

John Tavener | Dyhana

J. Byrd, T. Tallis, H. Purcell (arrangiamenti)

Benjamin Britten | Te Deum in C

Nico Muhly | Shrink

Violino solista e direttore d’orchestra, Hugo Ticciati, classe 1980 ha eseguito composizioni in prima mondiale nelle sedi più prestigiose del mondo. Ad oggi sono a lui dedicate più di quaranta opere firmate da compositori di rilievo: tra questi Erkki-Sven Tüür, Pēteris Vasks, Victoria Borisova-Ollas, Albert Schnelzer e Dobrinka Tabakova. Direttore artistico dell’Orchestra O/Modernt e dell’omonimo Festival, Hugo Ticciati collabora frequentemente con Kremerata Baltica, Manchester Camerata, Scottish Chamber Orchestra, Lithuanian Chamber Orchestra, Tallinn Chamber Orchestra. Frequenti le sue innovative programmazioni create in collaborazione con Wigmore Hall e Kings Place di Londra. È docente presso Lilla Akademien, la principale scuola di musica della Scandinavia, e viene frequentemente invitato da numerose istituzioni didattiche in tutto il mondo. Dirige il Festival O/Modernt di Stoccolma e la O/Modernt Chamber Orchestra.

HÈCTOR ULISES PASSARELLA bandoneón
CRISTINA CAVALLI pianoforte

Programma
Guido Santórsola Sonoridades 1985, Sonata a Duo n°7 per Pianoforte e Bandoneón (dedicata a Ulises Passarella)
Giuseppe Devastato | Romanza Hommàge à Mozart
Jaurés Lamarque Pons | Tre Ritmiche di Tango
Nino Rota | Estratti dalla colonna sonora de “Il Padrino”
Louis Bacalov | Toccata y Tango, Il Postino
H.U. Passarella | Sonata per Bandoneón e Piano

Héctor Ulises Passarella, nato in Uruguay nel 1955, è tra i più grandi bandoneonisti e compositori di tango moderno. Il suo stile inconfondibile e la sensibilità interpretativa gli hanno valso la stima di musicisti come Bacalov, Domingo e Bashmet, e di registi come Radford e Duvall. Formatosi tra tango e musica classica, iniziò giovanissimo nell’Orchestra Tipica di Oscar Pacheco e sviluppò una tecnica che gli consente di spaziare dal barocco al contemporaneo. Celebre la collaborazione con Luis Bacalov, con cui ha inciso le colonne sonore di film come *Il Postino*, *Milonga* e *Assassination Tango*. La sua interpretazione della *Misa Tango* con l’Orchestra dell’Accademia di Santa Cecilia diretta da Myung Whun Chung è stata acclamata dalla critica e registrata per Deutsche Grammophon.
Ha suonato come solista nei più importanti teatri e festival internazionali — dal Barbican Centre di Londra al Teatro Regio di Parma — collaborando con orchestre di prestigio mondiale. I suoi dischi, tra cui *Más allá del Tango* e *El Nuevo Tango Sinfónico*, testimoniano una ricerca personale che trascende i confini del genere, tanto che la critica parla di una vera e propria “musica Passarella”.
Autore del trattato *Il bandoneón: conoscerlo e suonarlo*, ha insegnato in conservatori e diretto corsi di perfezionamento in Italia e all’estero. È stato direttore della Scuola di Musica Popolare di Forlimpopoli e del Festival Internazionale *Tango y Más* di San Ginesio, e ha fondato il Centro del Bandoneón di Roma.
Insignito di numerosi riconoscimenti, tra cui il titolo di Cavaliere della Repubblica Italiana e la cittadinanza onoraria di Montevideo e San Ginesio, negli ultimi anni ha continuato a esibirsi in Corea, Cina, Europa e Sud America, promuovendo la diffusione del bandoneón come strumento dalle infinite possibilità espressive.

Cristina Cavalli si diploma in Pianoforte e Musica da Camera nei Conservatori di Piacenza e Cesena, proseguendo poi il suo iter all’Accademia Incontri col Maestro di Imola. Tra i musicisti sotto la cui guida ha intrapreso percorsi di perfezionamento e approfondimento i punti di riferimento importanti rimangono italiani: Sergio Fiorentino, Pier Narciso Masi e Marisa Somma. Porta avanti un’attività concertistica che la vede impegnata, come solista e in musica da camera, anche nel settore della Musica Contemporanea: diverse opere di compositori europei e americani sono e lei dedicate, e sovente le viene chiesto di tenere i first playing di nuove opere pianistiche. 

Come solista si è esibita in importanti sale tra cui Shanghai Symphony Hall, Wuxi Grand Theatre and Shandong Grand Theatre (Jinan) in Cina, St. Martin in the Fields a Londra, Teatro Ateneo di Madrid, Teatro Ruskaija e Auditorium Parco della Musica di Roma, Sala Verdi di Milano, Teatro Colón di Mar del Plata e molte altre sale in Inghilterra, Olanda, Finlandia, Italia, Germania, Spagna, Argentina, Serbia, Macedonia, Repubblica Ceca, Messico, Cina e Mongolia Interna. Nel 2015 intraprende il suo primo tour di concerti e masterclass in Cina, debuttando con un recital solistico di grande successo alla Shanghai Symphony Hall. Il suo ultimo lavoro discografico, Ritratti, è risultato tra i vincitori del Global Music Awards di Los Angeles, USA.

Dal 2023 è Presidente della sezione italiana di WPTA – World Piano Teachers Association, ed è regolarmente inviata nei concorsi pianistici internazionali come membro della giuria. Tiene masterclass in Europa, America e Asia, è ideatrice e fondatrice del progetto musicale Ad Libitum, e co-fondatrice del Leon Piano Meeting; insegna attualmente anche a Madrid, per Alta Specializzazione e Grado Superiore; ha collaborato con diverse Università in Europa e Sud America, ultime delle quali la Facoltà di Musica dell’Università Alfonso X El Sabio (Madrid) e la Universidad Nacional de Música del Perù.

ELINA DUNI & ROB LUFT
Songs of Love and Exile

Elina Duni voce
Rob Luft chitarra

“Questo è un concerto sui problemi contemporanei che tutti noi dobbiamo affrontare: la tragica storia della crisi migratoria in Europa e inoltre, l’imminente fallout ecologico dovuto alla distruzione della natura. E’ anche un concerto sui luoghi in cui siamo stati e amato, luoghi che non esistono più o continuano ad esistere solo come un frammento della nostra immaginazione. Ci sono canzoni che toccano influenze del passato, con il suono dell’Albania e il folklore mediterraneo sempre presenti. Abbiamo voluto esplorare anche altre radici musicali: ballate jazz senza tempo, canzoni francesi, canzoni popolari americane… Accanto alla severità che si trova in molti di questi brani, c’è una leggerezza che pervade tutto e crediamo che questa luce possa, e farà, eclissare questi tempi difficili. In ogni lacrima c’è una luce che sorge.”
(Elina Duni e Rob Luft)

Nel suo concerto in Duo con Rob Luft, Elina presenta brani dei suoi ultimo album: “Lost Ships” “A Time to Remember” pubblicati dalla prestigiosa etichetta tedesca ECM, dove canta in 9 lingue diverse attingendo al repertorio tradizionale di Albania, Kosovo e Armenia e Sud Italia, ma anche composizioni originali e cover di Serge Gainsbourg, Nina Simone, Billie Holliday, e sviluppa la sua personale ricerca espressiva grazie alla fusione delle melodie della tradizione con sonorità jazz e dipingendo un quadro sonoro nel quale si intersecano storie musicali diverse che, come scrive Elina sono “l’eco della mia infanzia, del mio esilio e della mia riconciliazione con i due mondi che mi hanno formata”.

Elina Duni è tra le voci più intense della nuova scena musicale europea, una giovane cantante in viaggio fra sonorità della tradizione albanese, kosovara e del meridione italiano. Arrivata in Svizzera bambina, dalla natia Albania, negli anni della formazione si avvicina alla musica. Nel corso del tempo, ha elaborato un suo personale percorso, per affermarsi come stella nascente nel panorama jazz europeo.La sua voce ci ipnotizza con antiche canzoni albanesi interpretate in chiave jazz, grazie alla sua superba voce.La musica è soffice, intimamente meditativa e appassionata. Con uno guardo alle proprie radici, ma da un punto di vista attuale. Elina canta in 9 lingue diverse attingendo al repertorio tradizionale di Albania, Kosovo e Armenia e Sud Italia, ma anche composizioni originali e cover di Serge Gainsbourg, Nina Simone, Billie Holliday, sviluppando la sua personale ricerca espressiva grazie alla fusione delle melodie della tradizione con sonorità jazz. Il suo canto é una carezza e sa essere intenso e struggente, raffinato eppure viscerale.

Rob Luft, è nato nel sud di Londra nel 1993. Ha iniziato a suonare con la National Youth Jazz Orchestra britannica a 15 anni, prima di proseguire gli studi alla Royal Academy of Music. Dopo essersi diplomato nel 2016 ha ricevuto il Kenny Wheeler Jazz Prize dell’Accademia; i giudici, tra cui Evan Parker e Nick Smart, hanno richiamato l’attenzione sulle sue capacità di improvvisatore, arrangiatore e compositore. Vincitore del Kenny Wheeler Prize 2016 dalla Royal Academy of Music, e anche del 2° Premio al Montreux Jazz Guitar Competition 2016 al Montreux Jazz Festival. Rob ha suonato tra gli altri con Django Bates, The Cinematic Orchestra, Loose Tubes e Arve Henriksen, Elina Duni, Enzo Zirilli e fa parte del nuovo quartetto di John Surman.
Luft è coautore, con Elina Duni, di diversi brani dell’ultimo album “A Time to Remember” e del precedente “Lost Ships”

Press
“Elina Duni, di origine albanese, con la sua voce intensa attinge a una varietà di influenze, mentre il suo trio impeccabile la sostiene con suoni brillanti come il diamante” (John Fordham, The Guardian)
“Lyrique, poétique…Le temps a passé, mais Elina Duni préserve sa fraicheur et son mystère” (Télérama)
“As always with Elina, this is a Thoughtful, beautifully articulated piece of jazzy poetry… (Jazzwise)
“Duni’s music is cultured, truthful and sublime. And this pure, radiant voice is unique” (Deutschlandfunk Kultur)
“È un distillato di emozioni, la voce di Elina Duni. A poco a poco, l’artista di origine albanese cresciuta in Svizzera, nella cosmopolita Ginevra ha fatto in modo di ritagliarsi un posto speciale tra le vocalist
contemporanee. E oggi si muove in delicato equilibrio tra la canzone d’autore, la ricerca e il recupero del patrimonio folclorico della sua terra (ma non solo) e la ripresa delle jazz ballads.”
(Ivo Franchi, Musica Jazz)
“…anche questa impeccabile produzione ECM è pienamente riuscita proprio perché tiene in mirabile tensione identità e cambiamenti, forte di un gruppo i cui membri hanno imparato a conoscersi e a dialogare anche a livello intimo, mostrando sempre la giusta miscela di rispetto e curiosità reciproca. Elina Duni sostiene che questo album “sia un riflesso della nostra passione condivisa per la narrazione musicale, aldilà dei generi e dei linguaggi”. (Alessio Surian, Blogfolk)

MONK IN PIECES
di Billy Shebar
con Meredith Monk, Björk e David Byrne
Proiezione Cinematografica

Meredith Monk Leone d’oro alla carriera Biennale Musica 2025

Monk in Pieces, film diretto da Billy Shebar, racconta la storia della compositrice e performer Meredith Monk, che ha superato i confini e i critici a lei ostili per diventare una delle più grandi artiste del suo tempo. 

La profonda influenza culturale della compositrice, performer e artista interdisciplinare Meredith Monk viene spesso trascurata.
Come artista femminile, ha dovuto lottare per il riconoscimento e le risorse nella scena artistica del centro di New York dominata dagli uomini negli anni ’60 e ’70. Le prime recensioni di “The New York Times” erano viziose e sessiste, con Clive Barnes che la chiamava “una disgrazia per il nome del ballo” e John Rockwell che diceva che era “così sinceramente strana in un modo da ragazzina talentuosa”.
Eppure, come dice il suo celebre contemporaneo Philip Glass: “Lei, tra tutti noi, era – ed è ancora – quella dotata in modo unico.”
Monk in Pieces è un mosaico che rispecchia la struttura del suo lavoro e illumina il suo vocabolario di suoni e immagini selvaggiamente originale. Nei capitoli finali del film, Monk affronta la mortalità. La vediamo cautamente affidare il suo capolavoro “Atlas” al regista Yuval Sharon e alla cantante Joanna Lynn-Jacobs per una nuova produzione con la Los Angeles Philharmonic. Per 60 anni, Monk ha diretto ed eseguito in tutte le sue opere; ora deve imparare a lasciarsi andare. Che cosa accadrà a queste singolari creazioni dopo la sua morte?

Ai confini del sacro
Performing reportage

MONIKA BULAJ story telling, fotografie
LUCA RECUPERO marranzano, percussioni, live electronics

Un viaggio dalla Cina all’Europa, Marco Polo a rebours, compagni di viaggio tre manoscritti antichi: uno nestoriano, uno buddista e uno sufi. In cammino, con pellegrini, nomadi e gente in fuga: pellegrini che nei loro percorsi annullano le frontiere geopolitiche e teologiche; nomadi-pastori i cui sentieri millenari transfrontalieri vengono minati dalle guerre, oppure chiusi da decreti di stato; minoranze minacciate dalla follia degli estremismi. Mondi minoritari, scomodi ai profeti dello scontro globale. Le minoranze perseguitate in Afghanistan, Iran e Pakistan, i cristiani d’Oriente, i maestri sufi, gli sciamani dell’antica Baktria, gli ultimi pagani dell’Hindukush e della Russia, i nomadi tibetani, le sette gnostiche dei monti Zagros…Le ultime oasi d’incontro, zone franche assediate da fanatismi armati, patrie perdute dei fuggiaschi d’oggi. Cerco il bello, anche nei luoghi più bui, la solidarietà, la coabitazione tra le fedi, laddove si mettono bombe. Cerco le crepe della teoria del cosiddetto “scontro di civiltà”, nella quale gli dei sembrano in guerra tra di loro, evocati da presidenti, terroristi e banditi. Mi piace pensare di fare un compito di geografia. Immagino un atlante delle minoranze a rischio nei loro luoghi sacri, che disorienti e confonda le mappe mentali basate su dogmi ed esclusioni. Sono geografie sommerse, clandestine, stratificazioni di memorie, copresenze, corrispondenze, che – in un mondo sempre più ristretto come un maglione infeltrito – spezzano la violenza dispiegata, per imporre, pattugliare e rafforzare le cartografie. Sembra un lavoro impossibile, mai sarà completo. Anno dopo anno aggiungo un pezzo, una scheggia, una scintilla. Riempio l’agenda del sacro con calendari lunari e solari, ma anche con quello ebraico, musulmano, tibetano ed etiope. Ore elette, solstizi, equinozi, cicli di vita, dalla semina alla transumanza. Talvolta i diversi calendari si sovrappongono, svelando la continuità che abbiamo dimenticato, che fatichiamo a riconoscere. L’idea di percorrere le vie dei manoscritti, mi venne un giorno a Kabul, in una biblioteca segreta di oltre milleduecento volumi e rottoli, in arabo, persiano, pashto, turco. Scritti a mano su carta o pergamena, che faceva paura toccare, diafana con il ricamo senile delle arterie e le efelidi. Vidi impronte di dita, cadaveri di insetti presi nella trappola delle parole, macchie di pioggia, di lacrime, di umidità sulle pagine ingiallite, nella cui delicata usura sono iscritti i destini dei lettori, i loro sussurri dietro gli alti muri delle case-fortezze e il sibilo delle città in fiamme. La carta, nascosta nel petto, in un baule e su un cammello, assorbiva la polvere dell’Asia, il sudore degli umani e degli animali, passando di mano in mano, da Samarcanda a Peshawar, scambiata con lapislazzuli dell’Hindu Kush e ambra del Baltico, mogli e cavalli. In questa biblioteca, una stanza da letto nascosta ai talebani, incontrai tutti i poeti: Ferdussi, Bedil, Jāmī, Rumi, Sana’i, Avicenna, Hafiz, infine, Mansur al-Hallaj… una folla loquace, un’eccellente compagnia. La salvezza era la poesia, la metafora la guardia del corpo.

Monika Bulaj è fotografa, reporter, regista, narratrice. The Guardian, Granta Magazine, National Geographic, The New York Times, TIME, Courier International, RevueXXI, La Repubblica, Corriere della Sera e GEO, e molti altri hanno pubblicato le sue fotografie e i suoi testi. È autrice pluripremiata di dodici libri di reportage letterario e fotografico, con Electa, Contrasto, National Geographic, Alinari, Skira, Frassinelli, Feltrinelli, Bruno Mondadori, e di un centinaio di mostre personali in tutto il mondo. Ha ricevuto nel 2014 il Premio Nazionale “Nonviolenza” con le seguenti motivazioni: «Per la sua attività di fotografa, reporter e documentarista, capace di mettere in luce l’umanità esistente nei confini più nascosti eppure evidenti della terra, di far vedere la guerra attraverso le sue conseguenze, di indagare l’animo dell’Uomo, la sua ansia di religiosità, di tenerezza e di dignità. Monika Bulaj rende visibile l’invisibile, attraverso l’esplorazione dell’animo delle persone, creando con l’immagine, l’unità dell’umano».

Musicista, ricercatore e tecnico del suono, Luca Recupero, è l’ideatore ed il direttore artistico del Marranzano World Festival. Ha compiuto studi di etnomusicologia ed organologia nelle Università di Bologna, Roma, Amsterdam e Londra. Dal 1996 si dedica alla ricerca sugli strumenti della tradizione Siciliana ed in particolare sul marranzano e sui tamburi a cornice, indagando gli aspetti storici ed etnomusicologici ma coltivando anche gli aspetti performativi. Amante delle musiche di tradizione orale, coniuga lo studio ed il rispetto per gli strumenti e le modalità tradizionali del fare musica con la ricerca di una dimensione interculturale e contemporanea della didattica e della ricerca musicale.