50ª Stagione

Nel centenario della nascita di Andrea Camilleri

OLIVIA SELLERIO canta ZARA ZABARA

Tutte le canzoni per Montalbano

Olivia Sellerio voce
Lino Costa chitarra
Dario Salerno chitarra
Paolo Pellegrino violoncello
Alberto Fidone contrabbasso

Canzoni scritte, arrangiate e interpretate da Olivia Sellerio

In concerto tutte le canzoni che Olivia ha scritto e interpretato per Il commissario Montalbano e Il giovane Montalbano II. Succede che Olivia sia nata e cresciuta fra i libri, e venga da un’isola in cui ancora risuona il richiamo lasciato all’umanità dalla tragedia greca, e che in questo posto incantato, crudo e meticcio abbia deciso di vivere; succede che abbia una voce, e una voce in capitolo, nel suo specialissimo capitolo, e cuore di carta e sangue d’inchiostro per scrivere canzoni, come queste pagine di vita, che chiama a raccolta e canta nel suo Zara Zabara. Nei brani della cantautrice palermitana, ancora una volta capace di trasformare racconto e sentimento in musica, convivono atmosfere mediterranee, sonorità dell’Atlantico, polvere d’Africa e folk americano, nella sua voce piena di reminiscenze e di parole attente le storie si intrecciano al melos siciliano e a mille radici di altri modi e mondi, a fare spola tra la Sicilia e altrove. Storie d’amore, di spartenza e resistenza, di denuncia, di accoglienza cantate dalla sua voce magnetica, scura, viscerale, una voce matrioska che ne contiene tante. Nel live, ad affiancare il canto di Olivia, Paolo Pellegrino col suono nobile del violoncello, la pulsione del contrabbasso di Alberto Fidone con le chitarre di Lino Costa e Dario Salerno – diverse a seconda dell’umore del brano – in una fitta rete di linee melodiche; un impasto di corde e archi a dialogare coi sapienti effetti della chitarra elettrica, un accordo acustico-elettronico a favorire l’incontro di sonorità più attuali con quelle della tradizione colta o popolare, siano i temi di origine extraeuropea, il jazz o la musica d’autore del secondo Novecento.

Olivia Sellerio nasce e vive a Palermo da anni divisa tra i libri e la musica. Cresce nell’amore per le storie e il piacere di condividerle che diventa mestiere, eredita “cuore di carta e sangue d’inchiostro”, e sono questo battito, questo respiro, a muovere per primi la sua voce, il desiderio di farsi tramite di un racconto, testimone di canzoni che racconto sono due volte, di musica e parole. Un cammino che parte in Sicilia e presto la conduce attraverso altri generi e luoghi della musica, travalica i confini con nuovi incontri dirompenti, ma in Sicilia più che spesso la riporta. Da anni impegnata nel rinnovare la tradizione musicale della sua terra, il suo lavoro, oggi, è un mosaico nel quale convivono interpretazioni di riconoscibile impronta jazz con vocalità mediterranee e africane, latinoamericane e neolatine, che si fondono in un incontro inedito, un’opera di ricerca e sintesi che accorda linguaggi e generi musicali, dei mondi diversi interpretati da Olivia nel tempo, coniugandoli fra loro e al melos siciliano, dai successi internazionali di “Accabbanna”, che nel 2005 firma a quattro mani con Pietro Leveratto, affascinante e inedita commistione tra canto popolare siciliano e jazz d’autore, che la porta sui grandi palchi della scena nazionale e internazionale, alle canzoni che dal 2014 scrive e canta per le serie del commissario di Vigàta raccolte e pubblicate da Warner Music in Zara Zabara. Per i suoi lavori in lingua siciliana Olivia ha ricevuto: Premio speciale “Donna di scena” 2006; Premio Donna nel Jazz 2006; Premio Rosa Balistreri – Alberto Favara 2013; Premio Efebo d’Oro per Nuovi Linguaggi per la Musica 2015; Premio Donna del Mediterraneo per le Arti dello Spettacolo 2018; Premio A.N.D.E. 2018; Premio Mimosa d’oro 2021.

TIAN LAN pianoforte

ANTONIO FIORENZA tromba

ORCHESTRA DA CAMERA DEL CONSERVATORIO V. BELLINI
MAXIMILIAM GILILOV direzione

– PROGRAMMA –
Dmitrij Šostakovič | Concerto in do minore per pianoforte n. 1 con accompagnamento di orchestra d’archi e tromba, op. 35
Allegro moderato
Lento
Moderato
Allegro con brio

Chamber Symphony in do minore per archi, Op. 110a
Largo
Allegro molto
Allegretto
Largo
Largo

Tian Lan, che ha attualmente 20 anni, ha iniziato a studiare il pianoforte all’età di 10 anni.
La sua passione per il pianoforte è iniziata a Mianyang, in Cina. Dal 2019, ha studiato presso il Liceo del Conservatorio di Musica del Sichuan  con i professori Hanguo Yang e Yun Zhao. Attualmente studia in Italia presso il Conservatorio di Musica Vincenzo Bellini, con il maestro Epifanio Comis. Ha partecipato a masterclasses e performance con molti maestri come Ludmil Angelov, Peter Donohoe, Lilya Zilberstein.
Ha lavorato con il maestro Dmitry Yablonsky, direttore dell’Orchestra dei virtuosi di Kiev, e ha eseguito il Concerto per pianoforte n. 20 di Mozart.
I suoi premi includono: Primo posto nel gruppo giovanile del 2017 Zhuhai Piano Competition; Primo posto nella categoria giovanile del 2018 Sichuan “Academy Cup” Piano Competition; Quarto posto nel gruppo aperto del 2019 Chopin Youth Piano Competition (il secondo e terzo posto sono vacanti); Glory 2022 Concorso Internazionale di Pianoforte “Grand Prize” Award. Nel 2025 è stato premiato come secondo classificato al concorso pianistico della fondazione Vincenzo Bellini.

Maximilian Gililov ha iniziato i suoi studi di direzione d’orchestra presso l’Università Mozarteum di Salisburgo nel 2024, dopo essere stato accettato nella classe per la direzione d’orchestra guidata dal direttore rumeno Ion Marin.
Ha conseguito la laurea in Concerto per pianoforte nello stesso anno, concludendo così i suoi studi di pianoforte con Yaara Tal e Jacques Rouvier. Durante i suoi studi di pianoforte, ha partecipato a lezioni di direzione e ha potuto lavorare con direttori affermati – tra cui Johannes Schlaefli, Uroš Lajovic e Massimiliano Caldi. Al Mozarteu ha potuto approfondire la sua formazione di direttore d’orchestra con lezioni tenute da Herbert Böck, Jörn Andresen, Gernot Sahler e Markus Obereder. Maximilian ha esperienza di direzione d’orchestra della Dubrovnik Symphony Orchestra e l’Akademieorchester Mozarteum.
Attualmente Maximilian studia Direzione d’Orchestra (classe di Ion Marin) e Accompagnamento per Teatro Musicale (classe di Alexander Vitlin) presso l’Università Mozarteum di Salisburgo.

Antonio Fiorenza, nato nel 2005, inizia lo studio della tromba a sette anni presso l’Associazione Musicale Città di Centuripe con il Mº Vito Galofaro. Un anno dopo entra al corso propedeutico dell’Istituto Superiore di Studi Musicali V. Bellini di Catania nella classe del Mº Carmelo Fede, distinguendosi presto in concorsi nazionali e internazionali con primi premi e primi premi assoluti. Nel 2020 accede al Triennio accademico nello stesso istituto, affrontando un ampio repertorio solistico, cameristico e orchestrale. Nell’ottobre 2023 consegue la laurea di primo livello in tromba con il massimo dei voti e la lode; nel giugno 2025 consegue parallelamente due lauree specialistiche in Tromba e in Musica da Camera con 110, lode e menzione accademica. Ha collaborato come prima tromba e tromba di fila con prestigiose orchestre, tra cui il Teatro Massimo Bellini di Catania, l’Orchestra Giovanile Luigi Cherubini fondata e diretta da Riccardo Muti e l’Orchestra Giovanile Italiana, lavorando con direttori quali Riccardo Muti, Charles Dutoit e Roberto Abbado. Come solista ha avuto il suo debutto con l’Orchestra Sinfonica di Sanremo nel gennaio 2025 sotto la direzione di Amâncio Cabral. Ha inoltre seguito corsi di alto perfezionamento con maestri di fama internazionale come Reinhold Friedrich, Gabriele Cassone, Esteban Batallan, Stephen Burns, Marco Pierobon, Kristian Steenstrup e altri grandi musicisti arricchendo costantemente la propria formazione artistica. Attualmente frequenta l’Instrumental Arts Program del Bard College Conservatory of Music (New York) sotto la guida del Mº Edward Carroll.

DRAGONFLY

Danusha Waskiewicz viola, voce
Naomi Berrill violoncello, voce

Musiche di J. Dowland, H. Purcell, B. Bartòk, H. Wolfe, J.S. Bach

Due strumenti, Viola e Violoncello. Due voci, femminili. Quattro suoni distinti, eppure le musiciste restano, per tutto il tempo, soltanto due. Ecco il carattere distintivo di Dragonfly, progetto che vede insieme due musiciste dalle identità diverse e molto forti, Danusa Waskievitz, tra le più importanti violiste d’Europa, già prima viola dei Berliner Philarmoniker e pupilla di Claudio Abbado, e Naomi Berrill, violoncellista, polistrumentista e compositrice irlandere che sta rapidamente affermando nel panorama europeo a cavallo tra musica tradizionale, jazz e classica. La musica in Dragonfly è ripensata e riarrangiata affinchè le variazioni Goldberg di Bach o le Songs di Dowland e Britten acquisiscano una nuova consistenza sonora ed il Seicento di Purcell possa entrare in naturale risonanza con il Novecento di Bartok. Dragonfly è un atlante dove musica colta e popolare rovesciano le attese di chi si pone all’ascolto. “Il risultato è una performance magnetica e sognante, ricca di intensità e passione” promettono le due soliste, che hanno scelto la figura della libellula – Dragonfly – per rappresentare l’insostenibile leggerezza della musica.

RingLike 2.0

PAOLO SORGE chitarra, composizione direzione musicale

GIOVANNI CUTELLO sax

LLUIS NAVAL batteria

BELLINI JAZZ ENSEMBLE

MARCO SCHILLACI visuals

BIAGIO GUERRERA testi e voce recitante

RingLike (che potremmo tradurre in “come un anello”) è un neologismo che ho inventato per riassumere in una parola le mie prime ispirazioni nell’accingermi alla composizione della suite commissionatami dall’AME – Associazione Musicale Etnea di Catania nel 2014. In quel periodo stavo definendo un mio personale metodo e stile compositivo basato sullo studio dei fenomeni musicali ciclici, ovvero sulla possibilità di far derivare da una semplice combinazione di numeri le ciclicità ritmiche, melodiche, armoniche e quindi la struttura e la forma di una composizione. Un sistema empirico che potremmo considerare affine a certi procedimenti seriali di scrittura automatica del Novecento, ma molto più giocoso e infantile. Niente di nuovo, insomma, ma mi divertivo! Sentivo però anche il bisogno di controbilanciare lasciando alcuni elementi della mia musica volutamente aperti o non definiti, permettendo ai musicisti alcuni spazi di improvvisazione e di interazione, per evitare che un sistema così rigoroso per generare materiale musicale finisse per soffocare la libertà e il senso del divertimento nel modellare la materia sonora, caratteristiche del buon jazz di ogni epoca che mi ispira da sempre. Ho immaginato una piccola sezione di quattro strumenti a fiato eterogenei con il clarinetto basso, il corno francese, il sax contralto e soprano e i flauti, per costruire un colore timbrico evocativo da affiancare al canonico trio jazz chitarra/ contrabbasso/batteria. Questa è la mia personale ricerca di un equilibrio fra l’elemento dionisiaco e quello apollineo, tra scrittura rigorosa e libera improvvisazione, tra ciclicità/reiterazione/staticità ed elaborazione/ narrazione/melodia in divenire. Un senso di dualismo, in fondo, è anche parte della mia biografia musicale da jazzista autodidatta e “militante” ma con un bagaglio importante di studi accademici di composizione, con il mio bisogno di strutture musicali solide e ben determinate e la mia voglia di improvvisare variazioni sul tema senza troppi vincoli alla creatività. Nel piacere sincero del dialogo con gli altri musicisti e con chi ascolta. Paolo Sorge

Paolo Sorge

Chitarrista e compositore, da oltre vent’anni conduce una ricerca trasversale nell’ambito delle musiche d’improvvisazione, coltivando contemporaneamente vari linguaggi musicali, e dedicandosi alla composizione intesa come sperimentazione di vari equilibri possibili tra scrittura e improvvisazione. Vanta una notevole attività concertistica e numerose incisioni discografiche con musicisti di spicco del panorama Jazzistico nazionale ed internazionale. Attualmente insegna al Conservatorio Vincenzo Bellini di Catania.

Marco Schillaci
Regista e produttore Schillaci vive e lavora tra gli Stati Uniti e l’Italia.
Nel corso della sua carriera ha collaborato con le migliori agenzie internazionali prima come fotografo e poi come regista vincendo numerosi premi e riconoscimenti. Recentemente ha realizzato
l’episodio “Italy” per la serie TV Phenoms per Fox negli Stati Uniti. Lavora adesso allo sviluppo della serie TV Mix The World di cui ha realizzato l’episodio pilota.

Biagio Guerrera
Poeta e performer Guerrera scrive in Siciliano ed è autore di quattro raccolte poetiche, di testi teatrali e canzoni. Nel 2019 ha vinto il Premio Lerici Pea “Paolo Bartolani” su segnalazione di
Andrea Camilleri e Manuel Cohen. Molto attivo come operatore culturale, curatore e produttore. 

HUGO TICCIATI violino e direttore

con gli Archi del Conservatorio V. Bellini di Catania

Programma

Hildegard von Bingen | Vos flores rosarum

John Tavener | Dyhana

J. Byrd, T. Tallis, H. Purcell (arrangiamenti)

Benjamin Britten | Te Deum in C

Nico Muhly | Shrink

Violino solista e direttore d’orchestra, Hugo Ticciati, classe 1980 ha eseguito composizioni in prima mondiale nelle sedi più prestigiose del mondo. Ad oggi sono a lui dedicate più di quaranta opere firmate da compositori di rilievo: tra questi Erkki-Sven Tüür, Pēteris Vasks, Victoria Borisova-Ollas, Albert Schnelzer e Dobrinka Tabakova. Direttore artistico dell’Orchestra O/Modernt e dell’omonimo Festival, Hugo Ticciati collabora frequentemente con Kremerata Baltica, Manchester Camerata, Scottish Chamber Orchestra, Lithuanian Chamber Orchestra, Tallinn Chamber Orchestra. Frequenti le sue innovative programmazioni create in collaborazione con Wigmore Hall e Kings Place di Londra. È docente presso Lilla Akademien, la principale scuola di musica della Scandinavia, e viene frequentemente invitato da numerose istituzioni didattiche in tutto il mondo. Dirige il Festival O/Modernt di Stoccolma e la O/Modernt Chamber Orchestra.

HÈCTOR ULISES PASSARELLA bandoneón
CRISTINA CAVALLI pianoforte

Programma
Guido Santórsola Sonoridades 1985, Sonata a Duo n°7 per Pianoforte e Bandoneón (dedicata a Ulises Passarella)
Giuseppe Devastato | Romanza Hommàge à Mozart
Jaurés Lamarque Pons | Tre Ritmiche di Tango
Nino Rota | Estratti dalla colonna sonora de “Il Padrino”
Louis Bacalov | Toccata y Tango, Il Postino
H.U. Passarella | Sonata per Bandoneón e Piano

Héctor Ulises Passarella, nato in Uruguay nel 1955, è tra i più grandi bandoneonisti e compositori di tango moderno. Il suo stile inconfondibile e la sensibilità interpretativa gli hanno valso la stima di musicisti come Bacalov, Domingo e Bashmet, e di registi come Radford e Duvall. Formatosi tra tango e musica classica, iniziò giovanissimo nell’Orchestra Tipica di Oscar Pacheco e sviluppò una tecnica che gli consente di spaziare dal barocco al contemporaneo. Celebre la collaborazione con Luis Bacalov, con cui ha inciso le colonne sonore di film come *Il Postino*, *Milonga* e *Assassination Tango*. La sua interpretazione della *Misa Tango* con l’Orchestra dell’Accademia di Santa Cecilia diretta da Myung Whun Chung è stata acclamata dalla critica e registrata per Deutsche Grammophon.
Ha suonato come solista nei più importanti teatri e festival internazionali — dal Barbican Centre di Londra al Teatro Regio di Parma — collaborando con orchestre di prestigio mondiale. I suoi dischi, tra cui *Más allá del Tango* e *El Nuevo Tango Sinfónico*, testimoniano una ricerca personale che trascende i confini del genere, tanto che la critica parla di una vera e propria “musica Passarella”.
Autore del trattato *Il bandoneón: conoscerlo e suonarlo*, ha insegnato in conservatori e diretto corsi di perfezionamento in Italia e all’estero. È stato direttore della Scuola di Musica Popolare di Forlimpopoli e del Festival Internazionale *Tango y Más* di San Ginesio, e ha fondato il Centro del Bandoneón di Roma.
Insignito di numerosi riconoscimenti, tra cui il titolo di Cavaliere della Repubblica Italiana e la cittadinanza onoraria di Montevideo e San Ginesio, negli ultimi anni ha continuato a esibirsi in Corea, Cina, Europa e Sud America, promuovendo la diffusione del bandoneón come strumento dalle infinite possibilità espressive.

Cristina Cavalli si diploma in Pianoforte e Musica da Camera nei Conservatori di Piacenza e Cesena, proseguendo poi il suo iter all’Accademia Incontri col Maestro di Imola. Tra i musicisti sotto la cui guida ha intrapreso percorsi di perfezionamento e approfondimento i punti di riferimento importanti rimangono italiani: Sergio Fiorentino, Pier Narciso Masi e Marisa Somma. Porta avanti un’attività concertistica che la vede impegnata, come solista e in musica da camera, anche nel settore della Musica Contemporanea: diverse opere di compositori europei e americani sono e lei dedicate, e sovente le viene chiesto di tenere i first playing di nuove opere pianistiche. 

Come solista si è esibita in importanti sale tra cui Shanghai Symphony Hall, Wuxi Grand Theatre and Shandong Grand Theatre (Jinan) in Cina, St. Martin in the Fields a Londra, Teatro Ateneo di Madrid, Teatro Ruskaija e Auditorium Parco della Musica di Roma, Sala Verdi di Milano, Teatro Colón di Mar del Plata e molte altre sale in Inghilterra, Olanda, Finlandia, Italia, Germania, Spagna, Argentina, Serbia, Macedonia, Repubblica Ceca, Messico, Cina e Mongolia Interna. Nel 2015 intraprende il suo primo tour di concerti e masterclass in Cina, debuttando con un recital solistico di grande successo alla Shanghai Symphony Hall. Il suo ultimo lavoro discografico, Ritratti, è risultato tra i vincitori del Global Music Awards di Los Angeles, USA.

Dal 2023 è Presidente della sezione italiana di WPTA – World Piano Teachers Association, ed è regolarmente inviata nei concorsi pianistici internazionali come membro della giuria. Tiene masterclass in Europa, America e Asia, è ideatrice e fondatrice del progetto musicale Ad Libitum, e co-fondatrice del Leon Piano Meeting; insegna attualmente anche a Madrid, per Alta Specializzazione e Grado Superiore; ha collaborato con diverse Università in Europa e Sud America, ultime delle quali la Facoltà di Musica dell’Università Alfonso X El Sabio (Madrid) e la Universidad Nacional de Música del Perù.

ELINA DUNI & ROB LUFT
Songs of Love and Exile

Elina Duni voce
Rob Luft chitarra

“Questo è un concerto sui problemi contemporanei che tutti noi dobbiamo affrontare: la tragica storia della crisi migratoria in Europa e inoltre, l’imminente fallout ecologico dovuto alla distruzione della natura. E’ anche un concerto sui luoghi in cui siamo stati e amato, luoghi che non esistono più o continuano ad esistere solo come un frammento della nostra immaginazione. Ci sono canzoni che toccano influenze del passato, con il suono dell’Albania e il folklore mediterraneo sempre presenti. Abbiamo voluto esplorare anche altre radici musicali: ballate jazz senza tempo, canzoni francesi, canzoni popolari americane… Accanto alla severità che si trova in molti di questi brani, c’è una leggerezza che pervade tutto e crediamo che questa luce possa, e farà, eclissare questi tempi difficili. In ogni lacrima c’è una luce che sorge.”
(Elina Duni e Rob Luft)

Nel suo concerto in Duo con Rob Luft, Elina presenta brani dei suoi ultimo album: “Lost Ships” “A Time to Remember” pubblicati dalla prestigiosa etichetta tedesca ECM, dove canta in 9 lingue diverse attingendo al repertorio tradizionale di Albania, Kosovo e Armenia e Sud Italia, ma anche composizioni originali e cover di Serge Gainsbourg, Nina Simone, Billie Holliday, e sviluppa la sua personale ricerca espressiva grazie alla fusione delle melodie della tradizione con sonorità jazz e dipingendo un quadro sonoro nel quale si intersecano storie musicali diverse che, come scrive Elina sono “l’eco della mia infanzia, del mio esilio e della mia riconciliazione con i due mondi che mi hanno formata”.

Elina Duni è tra le voci più intense della nuova scena musicale europea, una giovane cantante in viaggio fra sonorità della tradizione albanese, kosovara e del meridione italiano. Arrivata in Svizzera bambina, dalla natia Albania, negli anni della formazione si avvicina alla musica. Nel corso del tempo, ha elaborato un suo personale percorso, per affermarsi come stella nascente nel panorama jazz europeo.La sua voce ci ipnotizza con antiche canzoni albanesi interpretate in chiave jazz, grazie alla sua superba voce.La musica è soffice, intimamente meditativa e appassionata. Con uno guardo alle proprie radici, ma da un punto di vista attuale. Elina canta in 9 lingue diverse attingendo al repertorio tradizionale di Albania, Kosovo e Armenia e Sud Italia, ma anche composizioni originali e cover di Serge Gainsbourg, Nina Simone, Billie Holliday, sviluppando la sua personale ricerca espressiva grazie alla fusione delle melodie della tradizione con sonorità jazz. Il suo canto é una carezza e sa essere intenso e struggente, raffinato eppure viscerale.

Rob Luft, è nato nel sud di Londra nel 1993. Ha iniziato a suonare con la National Youth Jazz Orchestra britannica a 15 anni, prima di proseguire gli studi alla Royal Academy of Music. Dopo essersi diplomato nel 2016 ha ricevuto il Kenny Wheeler Jazz Prize dell’Accademia; i giudici, tra cui Evan Parker e Nick Smart, hanno richiamato l’attenzione sulle sue capacità di improvvisatore, arrangiatore e compositore. Vincitore del Kenny Wheeler Prize 2016 dalla Royal Academy of Music, e anche del 2° Premio al Montreux Jazz Guitar Competition 2016 al Montreux Jazz Festival. Rob ha suonato tra gli altri con Django Bates, The Cinematic Orchestra, Loose Tubes e Arve Henriksen, Elina Duni, Enzo Zirilli e fa parte del nuovo quartetto di John Surman.
Luft è coautore, con Elina Duni, di diversi brani dell’ultimo album “A Time to Remember” e del precedente “Lost Ships”

Press
“Elina Duni, di origine albanese, con la sua voce intensa attinge a una varietà di influenze, mentre il suo trio impeccabile la sostiene con suoni brillanti come il diamante” (John Fordham, The Guardian)
“Lyrique, poétique…Le temps a passé, mais Elina Duni préserve sa fraicheur et son mystère” (Télérama)
“As always with Elina, this is a Thoughtful, beautifully articulated piece of jazzy poetry… (Jazzwise)
“Duni’s music is cultured, truthful and sublime. And this pure, radiant voice is unique” (Deutschlandfunk Kultur)
“È un distillato di emozioni, la voce di Elina Duni. A poco a poco, l’artista di origine albanese cresciuta in Svizzera, nella cosmopolita Ginevra ha fatto in modo di ritagliarsi un posto speciale tra le vocalist
contemporanee. E oggi si muove in delicato equilibrio tra la canzone d’autore, la ricerca e il recupero del patrimonio folclorico della sua terra (ma non solo) e la ripresa delle jazz ballads.”
(Ivo Franchi, Musica Jazz)
“…anche questa impeccabile produzione ECM è pienamente riuscita proprio perché tiene in mirabile tensione identità e cambiamenti, forte di un gruppo i cui membri hanno imparato a conoscersi e a dialogare anche a livello intimo, mostrando sempre la giusta miscela di rispetto e curiosità reciproca. Elina Duni sostiene che questo album “sia un riflesso della nostra passione condivisa per la narrazione musicale, aldilà dei generi e dei linguaggi”. (Alessio Surian, Blogfolk)

MONK IN PIECES
di Billy Shebar
con Meredith Monk, Björk e David Byrne
Proiezione Cinematografica

Meredith Monk Leone d’oro alla carriera Biennale Musica 2025

Monk in Pieces, film diretto da Billy Shebar, racconta la storia della compositrice e performer Meredith Monk, che ha superato i confini e i critici a lei ostili per diventare una delle più grandi artiste del suo tempo. 

La profonda influenza culturale della compositrice, performer e artista interdisciplinare Meredith Monk viene spesso trascurata.
Come artista femminile, ha dovuto lottare per il riconoscimento e le risorse nella scena artistica del centro di New York dominata dagli uomini negli anni ’60 e ’70. Le prime recensioni di “The New York Times” erano viziose e sessiste, con Clive Barnes che la chiamava “una disgrazia per il nome del ballo” e John Rockwell che diceva che era “così sinceramente strana in un modo da ragazzina talentuosa”.
Eppure, come dice il suo celebre contemporaneo Philip Glass: “Lei, tra tutti noi, era – ed è ancora – quella dotata in modo unico.”
Monk in Pieces è un mosaico che rispecchia la struttura del suo lavoro e illumina il suo vocabolario di suoni e immagini selvaggiamente originale. Nei capitoli finali del film, Monk affronta la mortalità. La vediamo cautamente affidare il suo capolavoro “Atlas” al regista Yuval Sharon e alla cantante Joanna Lynn-Jacobs per una nuova produzione con la Los Angeles Philharmonic. Per 60 anni, Monk ha diretto ed eseguito in tutte le sue opere; ora deve imparare a lasciarsi andare. Che cosa accadrà a queste singolari creazioni dopo la sua morte?

Ai confini del sacro
Performing reportage

MONIKA BULAJ story telling, fotografie
LUCA RECUPERO marranzano, percussioni, live electronics

Un viaggio dalla Cina all’Europa, Marco Polo a rebours, compagni di viaggio tre manoscritti antichi: uno nestoriano, uno buddista e uno sufi. In cammino, con pellegrini, nomadi e gente in fuga: pellegrini che nei loro percorsi annullano le frontiere geopolitiche e teologiche; nomadi-pastori i cui sentieri millenari transfrontalieri vengono minati dalle guerre, oppure chiusi da decreti di stato; minoranze minacciate dalla follia degli estremismi. Mondi minoritari, scomodi ai profeti dello scontro globale. Le minoranze perseguitate in Afghanistan, Iran e Pakistan, i cristiani d’Oriente, i maestri sufi, gli sciamani dell’antica Baktria, gli ultimi pagani dell’Hindukush e della Russia, i nomadi tibetani, le sette gnostiche dei monti Zagros…Le ultime oasi d’incontro, zone franche assediate da fanatismi armati, patrie perdute dei fuggiaschi d’oggi. Cerco il bello, anche nei luoghi più bui, la solidarietà, la coabitazione tra le fedi, laddove si mettono bombe. Cerco le crepe della teoria del cosiddetto “scontro di civiltà”, nella quale gli dei sembrano in guerra tra di loro, evocati da presidenti, terroristi e banditi. Mi piace pensare di fare un compito di geografia. Immagino un atlante delle minoranze a rischio nei loro luoghi sacri, che disorienti e confonda le mappe mentali basate su dogmi ed esclusioni. Sono geografie sommerse, clandestine, stratificazioni di memorie, copresenze, corrispondenze, che – in un mondo sempre più ristretto come un maglione infeltrito – spezzano la violenza dispiegata, per imporre, pattugliare e rafforzare le cartografie. Sembra un lavoro impossibile, mai sarà completo. Anno dopo anno aggiungo un pezzo, una scheggia, una scintilla. Riempio l’agenda del sacro con calendari lunari e solari, ma anche con quello ebraico, musulmano, tibetano ed etiope. Ore elette, solstizi, equinozi, cicli di vita, dalla semina alla transumanza. Talvolta i diversi calendari si sovrappongono, svelando la continuità che abbiamo dimenticato, che fatichiamo a riconoscere. L’idea di percorrere le vie dei manoscritti, mi venne un giorno a Kabul, in una biblioteca segreta di oltre milleduecento volumi e rottoli, in arabo, persiano, pashto, turco. Scritti a mano su carta o pergamena, che faceva paura toccare, diafana con il ricamo senile delle arterie e le efelidi. Vidi impronte di dita, cadaveri di insetti presi nella trappola delle parole, macchie di pioggia, di lacrime, di umidità sulle pagine ingiallite, nella cui delicata usura sono iscritti i destini dei lettori, i loro sussurri dietro gli alti muri delle case-fortezze e il sibilo delle città in fiamme. La carta, nascosta nel petto, in un baule e su un cammello, assorbiva la polvere dell’Asia, il sudore degli umani e degli animali, passando di mano in mano, da Samarcanda a Peshawar, scambiata con lapislazzuli dell’Hindu Kush e ambra del Baltico, mogli e cavalli. In questa biblioteca, una stanza da letto nascosta ai talebani, incontrai tutti i poeti: Ferdussi, Bedil, Jāmī, Rumi, Sana’i, Avicenna, Hafiz, infine, Mansur al-Hallaj… una folla loquace, un’eccellente compagnia. La salvezza era la poesia, la metafora la guardia del corpo.

Monika Bulaj è fotografa, reporter, regista, narratrice. The Guardian, Granta Magazine, National Geographic, The New York Times, TIME, Courier International, RevueXXI, La Repubblica, Corriere della Sera e GEO, e molti altri hanno pubblicato le sue fotografie e i suoi testi. È autrice pluripremiata di dodici libri di reportage letterario e fotografico, con Electa, Contrasto, National Geographic, Alinari, Skira, Frassinelli, Feltrinelli, Bruno Mondadori, e di un centinaio di mostre personali in tutto il mondo. Ha ricevuto nel 2014 il Premio Nazionale “Nonviolenza” con le seguenti motivazioni: «Per la sua attività di fotografa, reporter e documentarista, capace di mettere in luce l’umanità esistente nei confini più nascosti eppure evidenti della terra, di far vedere la guerra attraverso le sue conseguenze, di indagare l’animo dell’Uomo, la sua ansia di religiosità, di tenerezza e di dignità. Monika Bulaj rende visibile l’invisibile, attraverso l’esplorazione dell’animo delle persone, creando con l’immagine, l’unità dell’umano».

Musicista, ricercatore e tecnico del suono, Luca Recupero, è l’ideatore ed il direttore artistico del Marranzano World Festival. Ha compiuto studi di etnomusicologia ed organologia nelle Università di Bologna, Roma, Amsterdam e Londra. Dal 1996 si dedica alla ricerca sugli strumenti della tradizione Siciliana ed in particolare sul marranzano e sui tamburi a cornice, indagando gli aspetti storici ed etnomusicologici ma coltivando anche gli aspetti performativi. Amante delle musiche di tradizione orale, coniuga lo studio ed il rispetto per gli strumenti e le modalità tradizionali del fare musica con la ricerca di una dimensione interculturale e contemporanea della didattica e della ricerca musicale.